為什麼音樂風格化的學習那麼重要?

在流行音樂史(或更早追朔到古典音樂)，音樂上的理論多是後人記錄下來的，作曲家在寫作的當下將內化後的知識和技巧直接運用在作品當中。然而編曲和作曲不同的是，編曲是一個「思考的過程」，若能有系統地學習音樂的編曲，在落實音樂想法時便能事半功倍。「音樂風格化」其實就是系統化過後的知識整合。

可以進一步說明音樂風格化的技術層面嗎?

音樂風格結合了樂理與文化內涵。簡單來說，我們可以把它分成四個層面來探討: 速度、配器、和聲、人文(歷史背景)。當然這只是便於學習而做的分類方式，教材研習課程中將會進一步的探討每個細項。

我需要具備哪些能力才能編出有靈魂的音樂曲風?

把音樂的學習分成「技術」和「理論」兩個部分來說：「技術」包含有形的演奏能力、器材操作等;「理論」則是無形的樂理和背景知識，以上提及的皆為門檻之一。若探討到Soul 這個部分，牽涉到的是精神層面，比方說：你夠不夠了解這個曲風 ? 能不能抓住曲風最重要的核心精神 ? 所以，在探討音樂風格化的學習時，必須重視”人文”(歷史背景)這一塊。當然 Grooving 和文化內涵這些東西，是需要耳濡目染慢慢去體會和感受的。不過也請放心，經驗是最好的老師，「音樂風格編曲」系列教材以提綱挈領，由淺入深的方式，幫助大家增進和深耕編曲能力。

管絃樂編曲在流行音樂中扮演什麼角色?

在樂團編制裡，常見的就是四個樂器:鋼琴、吉他、鼓、貝斯。這個組合其實多是便於舞台演出的樂器。但跳脫傳統樂團編制，其實有相當多的樂器(聲音)可以使用在曲子中，而管弦樂就是一個歷史演進悠久的編制，早在二十世紀就已發展的相當成熟，到現在當然有很多元素和想法可以融入在作品當中。

商業編曲？音樂怎麼去定義商業?

「商業編曲」＝ 得以交換市場需求。

這或許是目前台灣正統音樂教育需要再思考和調整的部分，畢竟理論終究需要被落實在生活中和創作中，必須在實踐中得到養分，或從音樂前輩和朋友的寶貴經驗汲取。「學習」是雙向的，透過教學的過程彼此分享，師者引導和激發學生獨立思考與再創造，並在商業品質上做好嚴格把關。

學習了作曲理論之後,為什麼實際運用在編寫音樂時會有落差?

現代人仰賴電腦工具創作，很大的優勢是創作的門檻降低，但新的困局則使我們的直覺和音樂性變得不敏銳。音樂科技幫助我們把一切轉化成可量化的參數，同時也可能正在侷限我們的想像力。我們需要更了解幫助我們創作的工具(電腦、MIDI音源、錄音設備...等)，並學習如何繪製編曲草稿、量化情緒曲線，這些都能有效的幫助我們勾勒出清晰的創作藍圖。「音樂風格編曲」系列教材的目標正是希望透過教材的學習，引導同學能架構式地具體了解這些創作工具，經驗正是把理論化為實務的橋樑。